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Dix fois dix, by Jennifer Alleyn

30 Nov

Danseuse - Otto Dix

I’ve always been fascinated by paintings and music from Germany’s inter-war Weimar period. My friend Jennifer Alleyn has created a film on one of the most representative artists of that period, Otto Dix. (View the trailer here.) The film came out earlier this month in Montreal and Quebec City (see original post – in French – here.)

Jennifer is the daughter of painter Edmund Alleyn, the subject of her excellent film, L’Atelier de mon père. In her latest film, Jennifer uses a Dix painting rediscovered in Montreal as a starting point to explore the artist’s work. Inspired by Nietzsche and his experiences as a soldier in the First World War, as well as the economic and political crisis that would lead to the rise of Nazism, Dix did not shy away from depicting harsh realities such as war and prostitution. In Jennifer’s words:

Jennifer Alleyn2

“After L’Atelier de mon père, I was looking for a compelling topic. I really wondered what I could work on next. I wanted to feel the same certainty, the same strong connection with a subject. In the world of Otto Dix, I found difficult realities that are still all-too present, but I also found elements of mystery that completely fascinated me.

“It was during an art history class that I discovered Otto Dix’s Portrait of the Lawyer Hugo Simons, 1925, which is part of the Montreal Museum of Fine Arts collection. The painting had a strong effect on me. I found it at once unsettling and captivating. It was that paradoxical sense of horror and beauty, terror and attraction that made me want to explore further.

“I then found out that the MMFA was planning a major exhibition of Dix’s work. I figured if I got the go-ahead to film the paintings, the preparations for the exhibition and the hanging of his works, it would make for a dynamic and interesting introduction to a film. The project expanded beyond the exhibition when I decided to include episodes from Dix’s life, and visited the family home in Hemmenhoffen and a Berlin gallery.

FIFA - Peter Duschenes avec le portrait l’avocat Hugo Simons (1925)

“The story behind the Portrait of Lawyer Hugo Simons, 1925 was like something out of a novel: the Jewish lawyer’s trial and escape to Canada, his regular correspondence for more than 20 years with Otto Dix . . . I felt the work had a strong emotional charge. Like an archaeologist, I headed off in search of the fertile soil that gives works their aura of mystery, the layers of history and human life that are laid down over time.

“It was challenging to trace the path of a man who had killed (Dix was a soldier in 1914 and again in 1945). His work reflects traumatic experiences that were to haunt him for the rest of his life. I was attracted by his strength and courage. Branded a degenerate artist by the Nazis, he never stopped painting or portraying the horrors he’d witnessed. In my research, I came across this phrase by Nietzsche: “Art is given to us to prevent us dying of truth.” I knew that Dix was very fond of Nietzsche’s philosophy, and this phrase kept coming back to me, guiding my film. I believe it’s key to understanding Dix’s work.

“I think I needed to shift my focus, to experience a more raw and shocking type of painting.

ABOUT THE FILM: “It’s very powerful. Rhythmic. Unexpected. Profound. Moving. Surprising.” Nancy Huston

Dix fois Dix de Jennifer Alleyn

31 Oct

Danseuse - Otto Dix

J’ai toujours été fasciné par la peinture et la musique de la République de Weimar, la période d’entre les deux guerres mondiales en Allemagne. Mon amie Jennifer Alleyn a un film sur un des artistes le plus représentatifs de cette période, Otto Dix, et le film prend l’affiche cette semaine à Montréal et à Québec. C’est un film en dix tableaus, d’où le titre Dix fois Dix.

Jennifer est la fille du peintre Edmund Alleyn sur lequel elle a fait un excellent film, ‘L’Atelier de mon père’. Après la sortie de ce film, l’histoire d’un tableau de Dix retrouvé à Montréal l’a mis sur la piste de ce nouveau film. Inspiré par Nietszche et par sa propre expérience en tant que soldat dans la première guerre mondiale, et par ce contexte de crise économique et politique qui allait mener à la montée du nazisme, Dix confronte les sujets les plus durs : la guerre, la prostitution.

Jennifer raconte :

Jennifer Alleyn2

Après ‘L’atelier de mon père’, il me fallait un sujet fort. En fait, je me demandais vraiment ce que je pouvais faire après. J’attendais de retrouver la même certitude, un lien très fort au sujet. L’univers d’Otto Dix, en plus de dépeindre des réalités dures et malheureusement criantes d’actualité (la guerre, la prostitution), comportait des aspects de mystère qui m’ont happée complètement. Pour me distraire, je suivais un cours d’histoire de l’art et c’est là que j’ai découvert le Portrait de l’avocat Hugo Simons,1925 d’ Otto Dix, qui est dans la collection du MBAM.

Ce tableau a eu beaucoup d’effet sur moi. Il m’inquiétait et m’envoûtait à la fois. C’est ce sentiment paradoxal, d’horreur et de beauté, de frayeur et d’attrait, qui m’a donné le goût de creuser l’oeuvre.

J’ai alors appris qu’une grande exposition allait se poser à Montréal, au MBAM et me suis dit que si j’obtenais la permission de filmer les tableaux, la création de l’exposition, l’accrochage, j’avais une porte d’entrée dynamique et cinématographique. Puis l’idée de greffer des épisodes de la vie de l’artiste, par des incursions dans ses lieux (maison de famille à Hemmenhoffen, Galerie à Berlin, etc..) ont fait sortir le film des murs du Musée.

FIFA - Peter Duschenes avec le portrait l’avocat Hugo Simons (1925)

L’histoire du Portrait de l’avocat Hugo Simons, 1925, était tellement romanesque, avec ce procès et la fuite de l’avocat juif vers le Canada, la correspondance soutenue sur plus de vingt ans entre l’artiste et l’avocat, m’ont convaincu qu’il y avait, derrière, tout une charge émotionnelle qui enrichissait l’oeuvre. Comme une archéologue, je suis partie à la recherche de ce terreau fertile qui donne aux oeuvres cet aura de mystère, bâti par le temps, les mouvements de l’Histoire, la vie humaine.

Il y avait un certain défi à explorer la trajectoire d’un homme qui a tué (Dix était soldat en 1914 et encore en 1945) et son oeuvre fait état des traumatismes qui l’ont poursuivis toute sa vie. J’ai été attirée par la force, le courage qui émanait de son parcours. Considéré comme un artiste dégénéré par les Nazis, il n’a pourtant jamais cessé de peindre. De dire et de montrer les horreurs dont il avait été témoin.

Dans mes recherches, je suis tombée sur cette phrase de Nietszche : “L’art nous est donné pour nous empêcher de mourir de la vérité”. Sachant que Dix avait été très touché par la philosophie de Nietzsche, cette phrase qui a trotté dans mon esprit pendant un an et guidé mon film. Je crois qu’elle offre une vrai clé pour comprendre l’oeuvre de Dix.

J’avais je crois besoin de me dépayser mentalement, me confronter à un univers plus cru, plus choquant de la peinture.

PROJECTIONS:

‘Dix fois Dix – un portrait du peintre allemand Otto Dix’ prend l’affiche du cinéma Beaubien à Montréal et du cinéma Le Clap à Québec avec en avant programme, La vie imaginée de Jacques Monory, un autre film de la réalisatrice Jennifer Alleyn. Du 4 au 10 nov. 2011

” C’est très fort. Rythmé. Inattendu. Profond. Émouvant. Surprenant.” – Nancy Huston

Voir la bande-annonce.

Lauréat du “Prix tremplin pour le monde Artv” – FIFA 2011.

Sélection officielle Pessac (France) – Festival international du Film Francophone en Acadie 2011

Winds of Heaven

19 Apr

Emily Carrs painting Cathedral Grove

“Kispiox Village.” Painting by Emily Carr, 1929.

Montreal’s International Festival of Films on Art has a huge following. Most screening are full, great to see. The festival mostly programs films for the subject matter as opposed to the filmic qualities, but every year there are some really excellent films.

Of the films I saw this year I liked The Owl in Daylight by David Kleijwegt about Philip K. Dick for the way it used metaphorical images. (The sci-fi writer PKD’s stories have formed the basis for many fiction films, including Bladerunner, which came out just after he died, at an early age. Not to be confused with the Hollywood biopic with the same name starring Paul Giamatti as Dick!) And also my friend Jennifer Alleyn‘s excellent film about a German artist I really admire: Otto Dix. (Named Dix fois Dix, it’s made up of ten tableaus from different moments in Dix’s life.)

Another beautiful and insightful film at the festival was Winds of Heaven about Emily Carr, directed by Michael Ostroff, co-produced by Peter Raymont at White Pine Pictures and filmed by John Walker – who won the CSC award for best documentary cinematography for his work on the film. The most interesting thing about the film for me was the way it took a close look at Carr’s struggle to be recognized as an artist at a time when not many women were, and the ambivalent and not always ‘politically correct’ (especially with today’s standards) relationship with and views of the aboriginal peoples whose culture figured so prominently in her art.

Michael Ostroff explained to me how he constructed the story line:

Carr’s writings form the narrative basis of the film but I had to look at them from that of the perspective of an old sickly woman recalling her earlier times solely from memory. There were no notes or diaries that she relied on, at least so’s that anyone is aware of. So memory of events formed the basis of much of her writings which she began sometime after her first stroke in 1937. This is especially true of her stories about her travel among the First Nations peoples of NW BC. She declared herself to be a friend of the Indians but, as Marcia Crosby says in the film, her writings reflected not so much as friendship but a conceit, and a sense of the racism of her day.

John Walker and Michael Ostrof

Carr was not political – and we cannot judge her by the standards of our times. Her writings are problematic and to Marcia pose a real concern, because schools are still reading/teaching Carr’s stories.

However – the paintings show a great deal of respect. Carr went up the coast and brought back images of communities – active, working, living. This was at a time when the slogan “the only good indian is a dead indian” was often heard and approved of in white society. First nations people were seen by most whites as either barbaric savages or sad vestiges of the noble savage. Most of the the images created by whites portrayed one or the other of these two polarities (think about Curtis.) The solution presented by government was assimilation when it wasn’t outright extermination. Carr’s images however were respectful – and shocking to white society. (In addition to the fauve colours.)

Her diary entries of the 1930’s though suggest a more complex and troubled present. The sacrifices she had to make to remain true to herself as an artist were very hard.

The Harris quote I think should be on every artist’s wall. “… despair is part of every creative individual. It can’t be conquered. One rises out of it. I suppose we are only content when all our sails are up and full of the winds of heaven. I hope all your sails are up and full of the winds of heaven. There is only one way. Keep on.”

Much of the Carr industry is dedicated to the didactic exploration. WOH is not. Entertainment and visual flow were the guiding principles of my direction. And from that the film evolved. The logging sequences for example, became a metaphor for the first nations people. When first seen in the film’s prelude – there is barely enough room for the trees to fall. Each time we return to logging, the forest has been reduced until the very last exquisite camera pan of 25 seconds across the landscape of a 1925 clearcut. They are almost wiped out. Only a stick or two remains. So when we see – at the end – “Scorned as Timber” – a much loved Carr work – it can be a metaphor for Carr’s persistence and individuality, and it can be a metaphor for the First Nations people. “Yes – we’ve been beaten, but we are still here – reaching for the sky.” Striving. Living. I couldn’t feel comfortable ever writing – “they were almost exterminated/assimilated” – so I let the visuals say it.

Thanks to Tobi Elliott for the help with this blog post.

Erica Pomerance et les défis des femmes africaines

18 May

Erica Pomerance: 'Mère et enfant'

Jocelyne Clarke qui contribue régulièrement à ce blogue nous parle d’une cinéaste très engagée, aussi basée à Montréal.

À Vues d’Afrique cette année, j’ai vu un film important réalisé par Erica Pomerance, « Opération survie », sur un sujet pas très « sexy » mais o combien pertinent pour les femmes africaines, la fistule obstétrique.

Selon les statistiques, environ 2 million de femmes dans le monde sont affligées par cette condition, généralement associée à des accouchements difficiles, sans aide médicale, et en Afrique, à l’excision qui continue à être pratiquée de manière courante dans certaines régions. C’est un problème à la fois physique et social – les femmes sont exclues de leurs communautés parce qu’elles sentent mauvais, perdant constamment leur urine.

Le film a été réalisé avec la collaboration du Dr. Danielle Perreault, médecin généraliste et urgentologue québécoise avec un intérêt spécial pour la santé des femmes, chroniqueuse à RDI et photographe. Elle voyage tant au Grand Nord que dans les pays du Sud, toujours dans le but de sensibiliser et d’instruire.

Dr. Danielle Perreault (gauche) avec Erica Pomerance

La Dr. Danielle Perreault et Erica Pomerance au lancement du film.

Erica Pomerance s’intéresse depuis longtemps à l’Afrique. En 1997 elle a réalisé le très beau « Tabala – rythmes dans le vent » sur la musique et la danse africaines à Montréal. En même temps, elle s’intéressait à la réalité des femmes africaines et avait amorcé une recherche sur l’excision, et surtout sur les gestes posés par les mouvements de femmes africaines qui s’y opposaient. Suite à presque dix ans de recherche et de travail acharné sur terrain, elle a sorti « Dabla ! Excision » avec la maison de production Virage et Monique Simard.

Depuis, elle a réalisé 4 autres films en l’Afrique : Miroir en Face (2006 Via Le Monde); Caravane (2008), auto-production avec l’intiative qu’elle a fondée, Taling Dialo, vouée à la formation vidéo en Afrique ; « Ndomo , Les Cinq Doigts de la Main » (2009), sur l’initiation des filles au Mali, co-réalisé avec Isabelle Garceau, et « Opération survie ».

Dans un contexte de production documentaire de plus en plus ardu, d’autant plus qu’elle parle de réalités lointaines, Erica possède une passion évidente et une détermination sans égal. Je la croise souvent alors qu’elle s’apprête à quitter le froid Canadien, caméra à la main, armée de la seule confiance qu’éventuellement elle trouvera le financement pour son nouveau projet.

À travers ses oeuvres et les réalités « autres » qu’elle nous fait connaître, Erica se mérite vraiment le titre de cinéaste engagée.

Projection-événement: ‘Enfants de Choeur’ à la cinémathèque

17 Dec

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Mon film ‘Enfants de Choeur‘ sur la chorale des sans-abris de Montréal, terminé il y a dix ans, sera projeté à la Cinémathéque québecoise à Montréal ce samedi le 19 Décembre. Et ce sera une projection-événement puisque la nouvelle incarnation du groupe, la Chorale sous les étoiles – autrefois Chorele de l’Acceuil Bonneau – sera présente pour chanter. Je serai en Europe, mais le producteur Paul Lapointe y sera, ainsi que le Directeur de la chorale, Pierre Anthian. Le film était en nomination pour meilleur documentaire à Hot Docs (Toronto) et aux Jutras, et il s’est mérité le prix du meilleur moyen-métrage documentaire à Mumbai en 2000. Je suis reconnaissant au cinéaste Bernard Émond (son dernier film La Donation est à l’affiche dans plusieurs salles au Quebec actuellement) d’avoir écrit le petit texte qui suit sur Les Enfants de Choeur en vue de la projection à la cinémathèque. Et j’ajoute que Louise Côté qui a monté La donation et la plupart des autres films d’Émond a aussi assuré l’excellent montage de mon film. Bernard écrit:

‘Il y a deux films dans Enfants de choeur : en surface, un feel-good movie sur des marginaux qui retrouvent la dignité en chantant, et derrière, un film pénétrant sur la difficulté d’être et sur la difficulté d’aider. Il n’y a aucun angélisme dans ce film ; on est dans l’humain jusqu’au cou : les choristes sont poqués, égoïstes, et manipulateurs autant qu’ils sont généreux et attachants, et le désintéressement de leur directeur de chorale bénévole n’est pas exempte de prosélytisme et d’un certain goût du pouvoir et de la reconnaissance. La grande richesse du film tient justement à la tension entre ces éléments. On y comprend que le don n’existe pas sans une forme d’échange, et que dans l’échange, on se compromet toujours. Cela n’enlève rien à la générosité et au courage des protagonistes, sans lesquels la chorale n’aurait jamais existé ; seulement, le film ne cède ni aux simplifications, ni aux bons sentiments. Enfants de choeur rend la vie dans toute sa beauté et sa complexité.’

Merci à Jessica Berglund pour l’aide avec ce blogue.

Monique Simard sur les changements dans l’industrie

14 Oct

Monique S. & Magnus

Juste avant d’être nommée Directrice du Programme Français de l’ONF cet été, Monique Simard fêtait le dixième anniversaire de productrice au sein de la compagnie Virage fondée par son mari Marcel Simard. Monique a dévéloppé une connaissance profonde de l’industrie et des conditions de production du documentaire. Son anniversaire était l’occasion pour moi de lui poser des questions sur les changements survenus depuis dix ans.

Magnus Isacsson : Qu’est-ce qui a changé à ton sens depuis 10 ans?

Monique Simard : L’industrie. Le documentaire est devenu une industrie. Avant, la demande n’était pas là; le marché n’était pas là. Et ce qui a fait qu’en sorte que c’est devenu une industrie, c’est l’explosion des chaînes câblées et satellites, pas juste ici, mais partout sur la planète. Comme je dis tout le temps, il faut nourrir la bête. Comment? Il faut produire, notamment dans le genre documentaire. Et quand je dis genre documentaire, j’inclus tout: la série animalière, la série tous sujets et le documentaire unique. Donc, c’est devenu vraiment une industrie.

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CHANGE – Le 10e anniversaire de l’ATSA

6 Oct

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Annie Roy à l’occasion de l’overture de CHANGE, le nouveau magasin de l’ATSA

Cette semaine nous avons fait un tournage important lors du 10e anniversaire de l’ATSA, l’Action Terroriste Socialement Acceptable, sujet du film URGENCE CRÉATION que je fais avec Simon Bujold. Annie Roy et Pierre Allard lançaient une publication et ouvraient en même temps un magasin intitulé CHANGE sur la rue St. Laurent, à deux coins de rue de chez moi. CHANGE a ici un double sens: c’est à la fois le changement social et le petit change que Annie et Pierre voudraient ramasser en vendant des produits dérivés de leurs installations réalisées depuis dix ans. Le tout est un pied-de-nez à une société commerciale où tout est question d’argent et de produits.

Pour vous décrire les événements de la soirée de lancement, je laisse la parole à mon stagiaire Jorge Bustos-Estefan :

« L’ouverture de CHANGE (le nouveau magasin de l’ATSA sur Saint-Laurent, coin Marie-Anne) faisait partie des célébrations de leur 10e anniversaire. Annie Roy y a présenté un nouveau livre qui a pour titre ATSA, Quand l’art passe à l’action, auquel ont participé plusieurs écrivains et artistes. Elle a aussi expliqué qu’en ce moment, la motivation principale de l’ATSA est d’empêcher la victoire de Stephen Harper et des conservateurs aux prochaines élections fédérales. Ceci étant dit, le lancement du livre a été suivi par un rassemblement en plein air au Parc du Portugal, de l’autre côte de la rue, où des interventions d’artistes avaient pour principal sujet (et objet) les politiciens et les partis politiques. Ces interventions à l’allure de foire (un stand de tir, un stand d’un magicien, un bac à sable, etc.) invitaient le public à participer et prendre position avec eux. Autant l’ouverture du magasin que l’événement en plein air se sont déroulés magnifiquement et ont réussi à attirer une grande foule. Il y aura d’autres activités au magasin au cours des prochaines semaines. Pour l’instant, vous pouvez visiter leur magasin à Montréal ou le site web de CHANGE ici. »

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Les politiciens et les partis politiques étaient le sujet principal de l’événement à l’extérieur.


Vidéo par Jorge Bustos-Estefan et Isabelle Kostecka

Que préparent les cinéastes du ‘Tiers-monde?’

30 Jan

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Danièle Lacourse, Director of the Alter-ciné Foundation.

Quels sont les thèmes abordés par les cinéastes des pays du ‘Tiers Monde’? Une façon de l’apprendre est de parler avec la Directrice de la Fondation Alter-Ciné, Danièle Lacourse. La fondation a été créée à la mémoire de mon collègue et ami Yvan Patry, cinéaste pionnier et partenaire de Danièle, décédé il y a dix ans. Le but de la fondation est de soutenir les cinéastes des pays en développement dont le travail fait la promotion des droits de l’homme et de leur attribuer deux ou trois prix en argent chaque année (pour lire sur les lauréats de l’année dernière, visitez mon post) Voici ma conversation avec Danièle:

1. En général, dans les projets que vous recevez des pays du Sud, ce sont les sujets qui priment ou il y a aussi une volonté de développer un traitement original ?

Cela varie vraiment d’un pays à l’autre, d’un projet a l autre. Je crois qu il y a de plus en plus de cineastes du sud qui se préoccupent aussi du traitement afin de donner plus d’impact a leur film. Cela se voit en particulier dans des pays où il y a une forte tradition documentaire, comme en Argentine par exemple.

En termes de nos critères, la principale exigence, c’est que le film traite des droits et libertés, compris dans son sens le plus large, i.e. autant les droits politiques, qu’économiques, sociaux, culturels, et autres. Mais si le thème est important, le traitement l’est aussi à nos yeux: la Fondation soutient le documentaire de création, donc une approche et une démarche cinématographique originale, créative, qui sert d’ailleurs souvent mieux le propos qu’un documentaire didactique, convenu ou formaté télé.

2. Y a-t il des différences notables entre les continents ? En termes de la nature des projets, et de la situation des cinéastes ?

Première différence: 75% des projets que nous recevons proviennent d’Amérique latine, donc il n’y a que 25% des projets qui proviennent d’Asie et d’Afrique. Difficile d’analyser les causes: s’agit-il seulement d’un meilleur accès à l’internet ou
d’un meilleur “réseautage”, de liens plus étroits entre documentaristes d’Amérique latine qui font circuler l’information entre leurs associations? Ou est-ce qu’il y a une plus grande production de documentaires en Amérique latine par rapport à l’Afrique et à l’Asie?
Chose certaine, les cinéastes d’Afrique et d’Asie nous semblent plus isolés que ceux d’Amérique latine, mais cela demeure une impression qui reste à vérifier.

Quant à la nature des projets, il est difficile de voir des différences thématiques entre continents, même si certains thèmes comme celui des disparitions par exemple sont beaucoup plus abordés en Amérique latine qu’ailleurs. Quant à l’approche cinématographique, elle relève aussi de la culture et de l’histoire. Par exemple, les cinéastes africains ont
souvent une approche du montage, du temps et de la durée, différente de celle que l’on trouve chez les cinéastes latino-américains, de même qu’ils accordent une importance particulière à la “parole” dans le récit.

3. Depuis que la fondation a commençé ses activités, quels sont les changements que tu as remarqué dans les projets soumis?

Une plus grande variété de thèmes et d’approches. Au début, on recevait beaucoup plus de projets strictement sur les droits politiques et économiques (répression, dictature, pauvreté, etc) avec un traitement cinématographique plutôt “classique” ou s’approchant du reportage ou de l'”outil didactique”.
Actuellement, nous recevons plus de projets traitant des questions environnementales, autochtones, d’immigration, culturelles, et le traitement est souvent plus près du cinéma direct, plus audacieux, plus personnel, plus créatif.

4. Ici j’imagine que le budget moyen d’un documentaire d’une heure est de $350.000. Qu’en est-il des propositions que vous reçevez ?

Cela varie considérablement d’un projet à l’autre. La majorité des projets ont un budget se situant entre 60,000 et 150,000$. Mais il y a aussi des projets qui se tournent avec 30,000$ ou moins: dans ce cas, le réalisateur ou la
réalisatrice a souvent accès à de l’équipement de tournage et de montage “prêté”. Dans le cas du documentaire “Oscar” de l’Argentin Sergio Morkin par exemple, le budget était minime. Sergio filmait lui-même avec des caméras empruntées à droite et à gauche; il recyclait ses cassettes de tournage; et tous ses amis étaient mis àcontribution pour aider à réaliser le film. Les petites caméras numériques ont aussi contribué à “démocratiser” le documentaire en coupant les coûts de
production. Dans le cas de “Raymundo”, les réalisateurs avaient installé leur petite unité de montage dans leur salon, ce qui leur a permis de monter pendant toute une année, ce qui aurait été impensable s’ils avaient dû louer une salle de montage. Ce que nous avons pu constater aussi, c’est que, quand il y a urgence, ces cinéastes trouvent toujours le moyen de faire leur film, meme sans financement extérieur

5. Comment ses films du Sud sont-ils distribués ?

Beaucoup de ces films sont présentés dans des festivals (le film “Raymundo” parexemple a remporté 15 prix dans divers festivals à travers le monde), ce qui permet une certaine visibilité. Mais ils sont surtout distribués dans divers réseaux locaux et nationaux: organismes impliqués dans la défense de droits et libertés, organisations de quartiers et organismes communautaires, syndicats, universités, etc. En général, les réalisateurs et réalisatrices accompagnent cette distribution de leur film et entrent en contact direct avec le public concerné.
Parfois aussi, certains documentaires (comme “Keiskamma une histoire d’amour”) ont été présentés sur une chaîne de télé nationale (SABC en Afrique du Sud), ce qui leur donne la possibilité de toucher un autre public.

(Merci à Steven Ladouceur pour son aide avec ce post)

Le Peuple invisible – le débat a-t il eu lieu ?

21 Jan

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PHOTO: Ministre serrant la main d’un jeune Algonquin.

Durant la période des fêtes, je lisais une collection d’articles du grand critique de Cinéma américain Andrew Sarris intitulé ‘Confessions of a Cultist.” Une phrase m’a frappé: ‘Tout le monde adore voir un poète dissident – dans une autre société que la sienne.’ ( ma traduction libre).

Et j’ai eu l’occasion de voir le nouveau film, courageux et percutant, de Richard Desjardins. Je précise pour ceux qui ne sont pas du Québec qu’il est un grand poète, compositeur et interprète en plus d’être l’auteur de films documentaires importants, avec Robert Monderie. Il y a presque dix ans leur film l’Erreur Boréale avait causé un débat énorme sur l’état de la forêt boréale au Québec, et c’est un des rares films documentaires dont on peut dire qu’il a conduit à des changements réels dans la société. Maintenant, avec Le Peuple invisible, arrivent-ils a provoquer un débat semblable sur le sort des peuples autochtones au Québec ?

Mais d’abord, de quoi parle ce film ? C’est le récit minutieux et bien documenté du sort que les Algonquins, habitant traditionellement un vaste territorire au nord d’Ottawa, ont subi aux mains des colons et gouvernements blancs – sans oublier les pères Oblats et l’Église catholique. Le film n’est pas tendre envers les colonisateurs. Voici ce qu’en dit mon ami et proche collaborateur Simon Bujold:

Ce film est un grand cours d’histoire. Le genre de cours que les réformes scolaires québécoises n’ont jamais osé imaginer. Richard Desjardins accomplit encore une fois un brillant exercice intellectuel. Prendre la parole pour atteindre notre regard.

Qui sont-ils? «Nos frêres» dit Desjardins dans une entrevue. Ceux que l’on ignore systématiquement depuis que nos ancêtres n’en ont plus besoin pour survivre à la rigueur du territoire. Depuis toujours ils sont là. Ils ont accommodé raisonnablement l’européen et sa descendance bien avant la commission Bouchard-Taylor.

Pourtant comme le film de Monderie et Desjardins le démontre, les algonquins sont un peuple invisible aux yeux des québécois.

Des critiques sont lancées spécifiquement vers le mouvement souverainiste qui revendique une identité nationale distincte tout en ignorant les Premières Nations. Une victime qui ne se solidarise aucunement d’une autre encore plus mal en point. «Je veux que l’on puisse vivre ensemble dans l’harmonie et la paix», dit le vainqueur en gage d’amitié au perdant qu’il vient d’écraser. Pourquoi s’embêter avec le sort du plus faible quand on est le plus fort. Plusieurs spectateurs sortent de la projection encore habités de la honte et de la culpabilité qui montent en nous face à cette réalité. Impuissance face à l’ampleur du drame. Ce qui embête le plus le spectateur c’est que le doigt accusateur se tourne lentement vers nous alors que l’on découvre une à une les injustices historiques et présentes que subissent les Algonquins. Dans l’Erreur Boréale, le méchant c’était la compagnie, facile. Ici c’est le reflet cruel du miroir.

Le film ne donne pas la réponse à la question qui s’installe en chacun. Quoi faire? Que faire aujourd’hui?

Pouvons-nous désarmer des centaines d’années de mépris organisé pour vaincre la barrière de l’ignorance culturelle. Des milliards pour les tsunamis, des millions pour Haïti. Des écoles pour les jeunes afghanes, l’Iraq au Iraquiens. Et pour nos voisins? Rien.

Et le débat ? Qu’est-il advenu du débat ?

Eh bien, je pensais qu’elle allait avoir lieu, car même le porte-parole des Rencontres Internationales de Montréal, le chanteur Biz, du groupe Loco Locass, ne s’était pas géné pour attaquer le film. Selon Biz, entendu à l’émission de Christaine Charette à Radio-Canada, Desjardins et Monderie critiquent les Québecois sans souligner que les Américains et les Canadiens anglais ont fait pire. Quelques jours plus tard j’ai entendu l’écrivain Dany Laffèrière, québecois d’origine Haïtienne affirmer, aussi à Radio-Canada, que Desjardins prend la parole pour parler de l’oppression des Algonquins plutôt que de leur laisser la parole. Mais après cela… pas grande chose. Je crois que c’est un film qui met les gens très mal à l’aise. Ce débat-là, veut-on réellement l’avoir ? Aura-t il d’avantage lieu lors de la télédiffusion ?